Talco de vidro: Inescapável armadilha mental

por Marcos Maciel de Almeida

Confesso que não estava familiarizado com a obra do fluminense Marcello Quintanilha. Sabia que ele tinha ganhado o prêmio de melhor HQ Policial no Festival de Angoulême na França, com o gibi Tungstênio. Sabia também que ele tinha lançado alguns álbuns pela Conrad, inclusive o Fealdade, quando ainda assinava como Marcello Gaú. Bem, posso dizer que, depois de Talco de Vidro, minha opinião sobre o quadrinista passou da simpatia neutra pela admiração e pelo reconhecimento de estar diante de uma estrela em formação. Que gibi!

Leitor de quadrinhos há pelo menos três décadas percebo, com grande felicidade, o momento especial por que passa o quadrinho nacional atualmente. Antes, a HQ brasileira lutava para encontrar sua identidade e parecia sempre estar querendo se adequar aos modelos estrangeiros, principalmente o comic americano. Sim, tínhamos grandes autores pertencentes à vertente crítica/humorística como Angeli, Laerte e Glauco, mas sempre tive a sensação de que esses criadores faziam parte de um “gueto”, enquanto a maioria dos quadrinistas remava sem rumo definido. Lourenço Mutarelli também era outro autor marginal, no bom sentido da palavra. Não estou afirmando que hoje exista um movimento que possa ser denominado de Novo Quadrinho Brasileiro. Na minha modesta opinião, os autores deixaram de buscar um modelo e decidiram trilhar o próprio caminho, que aponta para o trabalho independente, livre e autoral. Acredito que a identidade nacional quadrinística, hoje, se afirma mais pela heterogeneidade que o contrário. É mais fácil dizer o que ela não é, do que saber o que ela é. Enfim, essa é outra história. O que importa, nesse momento, é reconhecer o talento de Quintanilha, retrato dessa geração que vem transformando o quadrinho nacional.

Lendo algumas críticas sobre as principais qualidades do autor, uma delas é frequentemente exaltada: a capacidade em reproduzir o linguajar coloquial do brasileiro, especialmente levando em consideração que Quintanilha está radicado na Espanha há quinze anos. Essa habilidade fica patente na HQ Tungstênio, que se passa em Salvador, e também na Talco de Vidro. Mais que isso, o autor demonstra considerável talento em retratar situações cotidianas, óbvias, que todos vivenciamos, mas não paramos para refletir ou identificar. Sabe aquelas coisas que só reparamos quando alguém aponta o dedo e nos mostra didaticamente? Pois é, Quintanilha é mestre nisso.

Para um amigo meu, a leitura dos trechos iniciais de Talco de Vidro é semelhante a assistir a uma novela do Manoel Carlos, especialista em contar, com os exageros típicos do gênero, o cotidiano dos membros da classe média alta carioca e suas interações com as outras classes sociais. Sim, a leitura inicial pode parecer apenas mais uma narrativa sobre a vida de uma moça de Niterói, mas há uma sensação de incômodo latente na história. Uma percepção, por vezes subliminar, de que há algo de podre abaixo da camada de normalidade.

A protagonista, Rosângela, tem uma vida estável e aparentemente feliz. É dentista, tem vida financeira confortável, e mora em bairro nobre de Niterói. O marido é médico cardiologista renomado, cujo sucesso parece não ter nem o céu como limite. Entretanto, sutilmente, o autor dá pistas de que a personagem não teria tanto mérito nas conquistas de sua vida: a faculdade – de prestígio – foi bancada pelo pai, que também pagou o consultório. Seu carro, caríssimo, foi presente do marido. Sugere-se, então, certa dependência financeira e emocional de Rosângela em relação aos entes queridos.

Rô acredita pertencer a um grupo diferenciado de indivíduos. Seres superiores que transitam pela cidade sabendo que há cercas invisíveis que os separam do restante da população. Ao se relacionar com as pessoas da “casta inferior”, ela sempre faz questão de colocar as pessoas em seu devido lugar, já que não seriam boas o bastante para fazer parte de seu círculo íntimo. Em visita à tia, por exemplo, ao ouvir da última que o ventilador tinha que ficar ligado o dia inteiro, comenta: “Lá em casa é o ar condicionado”, como que para ressaltar a diferença social entre ambas. Este escudo aparentemente impenetrável de altivez tem, entretanto, uma rachadura inicialmente imperceptível, mas que se revela insuportável: a inveja nutrida pela protagonista em relação à prima, Daniele.

Porque invejar a prima, que era mais pobre, morava em bairro humilde e tinha a vida marcada pela infelicidade? Afinal, não haveria justificativa para invejar alguém com pai alcoólatra, que não terminou a faculdade, é divorciada... Entretanto, uma característica da prima não permitia que Rô se considerasse superior em todos os aspectos. Invejava, com todas suas forças, o sorriso de Daniele. Assim, aos poucos, passamos a assistir à transformação da inveja da protagonista em uma verdadeira obsessão, que a levará por uma trilha escura que poderá se tornar irreversível.

O pontapé inicial para o desmoronamento da vida de Rosângela é a descoberta de que a prima está namorando. A partir desse momento, a vida da dentista não é mais boa o bastante. Seu marido – que era o pai e companheiro que qualquer mulher gostaria de ter – passa a ser visto como um ser execrável. Seu odor se torna insuportável. Essa nova percepção de Rosângela está diretamente ligada ao novo momento da prima. Se ela está namorando, o marido médico tornou-se descartável. Casamento já era. O importante agora é curtir a vida. Namorar sem compromisso. Entregar-se a diversos parceiros. Tudo para se aproximar – e claro, superar – do estilo de vida de Daniele.

A narrativa da “queda” da protagonista é recheada de metáforas. Acompanhem a sequência abaixo, que mostra o turbilhão que despertou na mente de Rosângela nos momentos posteriores à descoberta de que a prima tinha virado a página com o ex-marido. São os primeiros sintomas de mal estar provocados por uma inveja avassaladora, que não passará em branco.

A arte é um capítulo à parte. Hábil desenhista, Quintanilha registra com talento a montanha russa de emoções pela qual transita a protagonista. Orgasmos com cara de sofrimento, alegria forçada e depressão extrema são retratados com grande sensibilidade. Vejam o olhar transtornado da protagonista ao descobrir que a prima não viria para uma consulta ansiosamente esperada, na qual Rô mostraria quem estava “por cima da carne seca”:

A boa utilização das retículas na construção dos quadros, da vestimenta e até do corpo dos personagens contribui para a composição das cenas, “colorindo” as páginas em preto e branco. Finalmente, o título. Ao pensar em talco lembramos de um produto higienizador e perfumado, com propriedades de cura. O talco nessa HQ, entretanto, é outro. É de vidro. É cortante. É como a vida de Rosângela. Uma análise mais ligeira sugere conforto, bem estar e alegria. Sob os olhos do microscópio, entretanto, a visão é outra. Há algo apodrecendo ali, à espera de um gatilho para que possa vir à tona. E quando esse momento chegar não será mais possível conter o monstro faminto da inveja.

HQ em um quadro: o solipsismo de Modred the Mystic, por Bill Mantlo e Sonny Trinidad

O narrador sugere que Modred vê monstros e dragões no lugar de soldados, carros e armas (Bill Mantlo, Sonny Trindad, 1975): dia desses ganhei um presente que adoro: um gibi velho, puído, um pouco mofado. Tive que deixar algumas leituras da fila para trás para me dedicar a este novo artefato. Trata-se de uma revista da Marvel original de 1975. Nada raro ou obscuro, que fique claro. Mas eu sou daqueles que gosta de primeiro cinema, dixieland jazz, maxixe, golden age comic strips, coisas velhas. Um gibi Marvel dos anos 70 é como uma pequena viagem no tempo àquela época louca: páginas de anúncios como "have your poems set to music", "free one million cash", "hipnotize!", "authentic Superman costume", etc. Além dos próprios anúncios da Marvel: adesivos para caderno, fantasias dos Vingadores para crianças, um correio super "hip" assinado pelo Stan Lee. Fresh vintage!

Mas nada disso se compara à leitura de um bom gibi da era de bronze. Veja este caso. Ele faz parte de uma série chamada "Marvel Chillers", que está entre o super-herói e o terror ainda um tanto inspirada no grafismo do horror clássico dos anos 40 e 50. Mesmo assim, o conteúdo é bem mais supers. Durou apenas sete edições, duas com Modred, the Mystic, um personagem de quinta criado por Marv Wolfman que apareceu depois em algumas histórias dos Vingadores; e as outras cinco com a sensual e mais famosinha Tigra, the Were-Woman. A minha edição é a número dois. Portanto, o fim do arco de Modred, cuja primeira aparição havia sido no número um. Não esperava nada, mas encontrei um texto consistente de Bill Mantlo, com diálogos elaborados e ótimos (e bem irônicos) recordatórios (ou recitativos), além de uma arte satisfatória por parte de Sonny Trindad, prejudicada pela coloração de impressão paupérrima (imagino que em 3 cores), mas que adiciona certo charme à coisa. 

Modred, na verdade, é um ótimo personagem. Oriundo do século VI, da terra de Camelot, ele é o aprendiz de mago do grande Velho Gervasse, o "segundo maior mago do Reino" (perdendo pra um enlouquecido Merlim, é claro). Ambíguo, impetuoso, descontrolado e submisso às suas paixões, Modred acaba cedendo a forças obscuras quando invoca um poder das trevas presente no livro Darkhold e, exaurido num duelo contra o oculto, acaba congelado no tempo, paralisado, até que acorda no presente (isto é, 1975). O enredo lembra a série Camelot 3000, e eu não me surpreenderia se Modred tivesse em algum nível sido uma inspiração.

Os já citados bons recordatórios (numa época em que não era tabu caprichar nos recordatórios, hoje considerados "literários" demais para a "arte livre" dos quadrinhos - completa besteira) e o fato de Modred acordar em uma sociedade moderna são importantes aqui. No quadro que destaquei, Modred acaba de "invadir" o presente e está cercado pela polícia de Londres. O recordatório se questiona assim: "como um ser acostumado com carroças puxadas por cavalos e arco-e-flecha irá reagir quando confrontado com tão modestas maravilhas tecnológicas da era das máquinas como... os carros e as armas de fogo?" Acontece que o que vemos na imagem do requadro não são carros e armas de fogo, e sim... monstros humanoides com lanças e dragões!  É uma linda possibilidade filosófica, a do solipsismo. Sem nos explicar, o texto em quadrinhos (palavra + imagem) nos informa que Modred, vindo de outra época, é incapaz de "processar" a visão de seres e tecnologias que não existem em seu mundo. Logo, seu cérebro os verte em algo familiar (supondo que monstros e dragões existam em sua mágica Camelot). Ele está vivendo em solipsismo (só ele enxerga seu mundo; seu mundo só existe pra ele). Isso lembra aquela história de que os índios não viram os navios europeus chegando porque seus cérebros não estavam culturalmente e cognitivamente programados para compreender aquela visão (o que deve ser um lorota das boas). Ou a interessante recente pesquisa que afirma que não podíamos ver a cor azul até tempos modernos, já que as línguas e textos antigos não a mencionam (e ela pouco aparece na natureza). O solipsismo é uma condição meio "beco-sem-saída" filosófica que nos aprisiona num dos muitos paradoxos da ontologia. Afinal, como efetivamente provar que não somos todos solipsistas? 

Esta história de Modred é interessante em vários aspectos: comprova a grande fase de amadurecimento do texto em quadrinhos que é a era de bronze, quando as histórias já são direcionadas para um fã mais crescido e a continuidade delas se dá com amarras sólidas, poderia dizer literariamente (pulp, que seja) trabalhadas, sem perder o encanto delirante da era de prata. Mas nada justifica um insight tão fascinante e bem sacado quanto este do solipsismo de Modred. Afinal, o recordatório não nos diz "vejam! ele troca carros por dragões". Ele apenas indica a condição e mostra, num plano-ponto-de-vista, o olhar de Modred, o que dá uma ideia do estado alucinado em que vive o personagem. Uma coisa pescada assim, no meio de uma leitura sem qualquer memória ou prestígio, vinda de um gibi puído. É assim que eu gosto das coisas. (CIM) 

Especial Editora Mino: 4 resenhas (padrão RL) + ótima entrevista!

por Ciro I. Marcondes (resenhas) e Pedro Brandt (entrevista)

Quiral

Na ativa desde 2014, a Editora Mino juntou em pouco tempo um catálogo admirável, com obras de novatos e veteranos produzidas com caprichado acabamento editorial (papel bom, capa dura, impressão de qualidade, etc.) e uma curadoria que foge de obviedade e é afeita ao risco. 

Além das obras resenhados abaixo, a Mino lançou recentemente Quadrinhos insones, de Diego Sanchez, e os primeiros títulos de autores estrangeiros pela editora: o perturbador Zonzo, de Joan Cornellà, e o divertido (e fofo!) Fungos, de James Kochalka. Em breve, chegam às livrarias O Diabo e eu, HQ inspirada na vida do bluesman Robert Johnson, de autoria de Alcimar Frazão, e Shaolin Cowboy, do monstro Geof Darrow.

Responsáveis pela Mino, o casal paulista Lauro Larsen e Janaína De Luna conseguiu realizar este que é sonho de muitos fãs de quadrinhos: abrir a própria editora e lançar títulos e autores nos quais acreditam. 

Em entrevista por e-mail, eles contam um pouco como foi colocar isso em prática (“As pessoas são apaixonadas por quadrinhos, mas não entendem nada de negócios. Tem que ter planejamento...”), comentam as escolhas do que publicam (“Porra, como é que sabe se determinado autor não vende se ninguém nunca o lançou de maneira decente?”), lembram como se iniciaram no mundo dos quadrinhos e ainda tecem palpites e arriscam previsões sobre o cenário nacional de HQ (“Acho que o futuro vai ser massa!”). (PB)

Caso queira enviar seu material para ser resenhado na Raio Laser, o endereço é o seguinte:

RAIO LASER

SQS 212 Bloco G Apto 501.

Brasília-DF

Brasil

CEP: 70275-070

CRÍTICA

Aventuras na Ilha do Tesouro

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Pedro Cobiaco

(Mino, 2015, 144 p.): De certa forma, a graphic Aventuras na ilha do tesouro, de Pedro Cobiaco (filho do Fábio), e a série O beijo adolescente, de Rafael Coutinho, tratam da mesma reflexão: a difícil tarefa de esquadrinhar ou compreender as growing pains da nova geração de adultos (Y ou millenial) a partir de referências internas, de um pensamento endógeno a eles próprios. Ambos acabam recaindo em uma estrutura fabulística ou mítica, aproveitando elementos da cultura pop ligados a esta galera (os super-heróis no Beijo; uma coisa Alice meets Hora de Aventura no Ilha) para criar uma história eminentemente metafórica, mas ao mesmo tempo muito divertida, sobre este conflito de gerações. Ambos também carregam nas tintas psicodélicas para construir um imaginário vívido, elástico, com uma profusão intensa de camadas visuais e cores, dotando esta geração com uma racionalidade e intuição propriamente lisérgicas, algo que reverbera em suas ações políticas, sua sexualidade, sua identificação com o mundo. 

A grande diferença é que Coutinho, muito mais velho, faz algo mais pensado e intelectual, com referências à historiografia de ouro dos quadrinhos e uma trama elaborada a longo prazo, com arcos narrativos delineados e conflitos que se desdobram dentro de certos padrões de previsibilidade. É um experimento de epistemologias geracionais (por assim dizer) que se encontram, mas não se tocam: O beijo adolescente é a própria cidade de Kandor

que Coutinho cultiva dentro de sua redoma, e isso traz vantagens e desvantagens em relação a Aventuras na ilha do tesouro, que tem uma pulsão muito mais voraz e selvagem. Ler este trabalho se parece mais, na própria sensitividade da coisa, com uma projeção para dentro da cabeça dos millenials. Não é à toa. Cobiaco tem 20 anos de idade, e todo esse desaguar psicodélico se espraia em referências, possibilidades e desdobramentos estéticos. Trata-se de uma história livre, à deriva, desenfreada, por vezes sem lógica, sem função, afogada num oceano de emoções.

Mas, é claro, Cobiaco não é nenhum naïve. Está lá uma carga referências bem sacadas, de Magritte e  Hokusai a Lord of the flies e o supracitado Corto Maltese, como espécie de elo afetivo que une o aspecto metalinguístico da graphic ao coração de seu ímpeto aventuresco. Mas isso tudo não impede que a HQ pareça urgentemente autêntica e atual: na observação microdetalhada da linguagem dos quadrinhos, na submersão no caldeirão surrealista que é a experiência de lê-la, em seu conflito geracional atávico, na androginia queer de seus personagens. Porém, aquilo que, nesta HQ, de longe ultrapassa O beijo adolescente em urgência, de certa forma perde para a obra de Coutinho em meticulosidade, sobriedade, bom senso.

Explico: Aventuras na ilha do tesouro é um bildungsroman (romance de formação) gráfico. Esta formação aparece em duas frentes: por meio do Capitão, um personagem livre que vive, com outras figuras (jovens, modernas, encantadas e encantadoras), em uma ilha (espécie de Éden teen dos anos 2010) que é devassada por uma geração de velhos conhecida como “guarda real” e que acaba com o sonho “Lagoa azul + Tame Impala” que estava sendo construído por aquela sociedade de millenials. O Capitão então vai encontrar seus demônios existenciais, exilado, à deriva. Em outra frente, temos o próprio autor (na verdade uma ficção de si próprio), que aparece com uma espécie de máscara do Rorschach que reflete os movimentos emocionais dele a respeito da perda do pai (metafórico ou não), e os processamentos deste luto. Há inteligência metalinguística nesta parte, muito malabarismo visual e um ótimo dialogo geracional entre o próprio Pedro e seu pai, Fábio, um quadrinista mais clássico (veja a resenha abaixo). A fenda geracional, nas duas frentes, é claramente o que move as camadas simbólicas de Aventuras na ilha do tesouro. 

O que pega, por vezes, é que esse transbordamento todo, vertido em complexidade (todo um dispositivo de linguagem e camadas simbólicas) e pura emoção de artista (o jorrar psicodélico) deixa a história um pouco como um sujeito com DDA que não consegue se concentrar em nada. Há um momento em que o próprio Cobiaco, vertido como autor fictício, denuncia a farsa: “história egoísta que só faz sentido para mim”. Pode até ser, mas não precisa acusar. É inevitável, portanto, dizer o que já deve estar claro – esta graphic é um raio x desta geração no que ela tem de melhor e pior: expressão e vacuidade. Como os requadros do último capítulo (silenciosos, instintivos, aquecidos) denunciam, o processo todo de Aventuras na ilha do tesouro funciona como rito de passagem em todas as suas contradições, em brutal honestidade. Neste sentido, ler este trabalho em conjunto com O beijo adolescente funciona como estar dos dois lados de um espelho invertido, com uma geração ajudando a compreender os erros e acertos da outra. É um momento delicado e sensível (para não dizer apenas histórico) para a HQ brasileira.  

Quiral – Eduardo Damasceno e Luís Felipe Garrocho (Mino, 2015, 44 p.): Acompanho o trabalho de Damasceno e Garrocho desde os tempos do "Quadrinhos Rasos" e, desde que reclamei que o trabalho deles era “fofo” demais (o que de certa forma virou uma piada sobre certo tipo de quadrinho nacional), eles parece que resolveram entrar de mala e cuia nesta seara (vide Bidu: caminhos, Cosmonauta Cosmo, etc.). Nada contra, realmente, mas em Quiral a dupla, versátil e talentosa, mostra visível amadurecimento, mesmo que insistam em alguma meiguice um tanto piegas. Em primeiro lugar, temos uma narrativa dupla, o que é interessante por si: duas histórias (uma de um pirata solitário no passado; outra de uma jovem meio cientista e voluntariosa no presente) são contadas paralelamente, quadro-a-quadro, com design e coloração específica para cada. Em segundo lugar, o tom maduro na expectativa de inversão de valores: embora ambos os personagens vivam em ambiente praiano de caçadores de monstros gigantes (sim, uma coisa Pacific Rim misturado com A ilha do tesouro), o pirata, renomado matador destas criaturas, se sente solitário, exausto, inseguro. Já a moça, inquieta, inspirada pelas anotações do pirata no passado, pretende ousadamente seguir seu legado. São perspectivas invertidas.

Quiral é delicado, sim, com cores amenas e uma beleza contemplativa no leiaute suave das páginas. Apesar de ser uma história de monstros e piratas, não há ação, apenas saudade e sonhos perdidos, e esta vocação, apesar de óbvia para o trabalho dos autores, é trazida à tona aqui com refinamento e bom gosto. Vejam bem a sacada (não genial, mas de tocante simplicidade e bem trabalhada): piratas e monstros gigantes são elementos de quadrinhos “masculinos” estilo filme high-concept de Hollywood. Os autores apenas conjuraram a mágica de encantar esse mundo estéril e brutalizado com um pouco de humanidade. Aquela coisa: extrair, dos estereótipos, arquétipos desconhecidos. Nosso herói é solitário por ser herói, por estar além, por não conseguir se comunicar com qualquer um que retenha suas expectativas. São ideias singelas, desenvolvidas com quase monástica simplicidade, o que torna o quadrinho edificante (e por isso ainda um tanto pueril), mas domado. No final, Quiral até diz a que veio, mas de uma maneira muito minimalista e rápida. Parece o rascunho de um sonho. Uma fantasia de um quadrinho mais robusto, autoral e consistente.  

Goela Negra – Lelis e Ozanam (Mino, 2015, 104 p.): Estações de trem, minas de carvão, abatedouros, moinhos, espeluncas, bares, rostos humanos (muitos rostos humanos): que diabos Lelis não consegue ilustrar, olhando em fotografias ou não, com seu traço de lavagem vertical, de expressão quase pura? Muito diferente de outras obras consagradas, cheias de cores amalgamadas (como Saino a percurá e Clara dos Anjos), em Goela negra este que é um dos nossos maiores ilustradores utiliza o pincel seco em preto e branco para retratar, em escalas narrativas bastante definidas, a tenebrosa realidade dos carvoeiros no norte da França entre o fim do século XIX e os primeiros anos do século XX. Com roteiro, digamos, “correto”, cheio de inferências e bastante engajado do francês Antoine Ozanam, o álbum acompanha a trajetória de Marcel, um operário fodido que vai se jogar numa Paris surreal e enlouquecida pela ganância, pelo crime, pela luxúria, etc., reverberando ecos da revolução industrial e de uma possível revolução anarquista.

Goela negra é uma saga de tom moral e cíclico, tempestuosa e às vezes redundante, cheia de menções a fatos históricos. Os rastros de uma extensa pesquisa podem ser percebidos por toda parte. Se não fosse a arte espectral de Lelis, que contamina cada polegada do quadrinho com a imundice da poluição das carvoarias, é capaz que o roteiro, bem caretinha, se revelasse enfadonho demais. Este álbum é uma prova da qualidade mista, indiscernível, dos quadrinhos enquanto mescla de arte, narrativa e palavra. Se Goela negra resultaria apenas em mais um filme mediano inspirado em Germinal, o mesmo não ocorre aqui (em quadrinhos) porque a arte de Lelis adiciona um componente que não é apenas a beleza visual: é drama, são sentimentos, são intenções verdadeiras, são nuances inalcançáveis pelo texto. É importante frisar sempre a qualidade narrativa da arte nos quadrinhos (e não apenas em sua parte sequencial), e Lelis inflama esta obra com (literalmente) um retrato poderoso de uma sociedade desigual, economicamente complexa, eticamente chegando ao seu limite e na fronteira de uma ruptura ideológica brutal que resultaria no colapso da Primeira Guerra Mundial. Se o texto realista de Ozanam parece fora de moda ou incapaz de dar conta das questões que invoca, temos a sorte de contar com Lelis para retificar estes problemas com uma arte em seu ápice. 

Mayo – Fábio Cobiaco (Mino, 2015, 88 p.): O veterano Fábio Cobiaco (pai do Pedro) resolveu transformar sua empreitada mais longa e ambiciosa em uma minuciosa examinação da era de ouro dos quadrinhos. A história de piratas Mayo, que se passa em Santa Catarina no início da colonização do Brasil, é toda contada em tiras de quatro ou cinco quadros (com eventuais surpresas), a narrativa é atomizada, os personagens se envelopam em arquétipos. O resultado é semelhante ao que o brasiliense Daniel Lopes alcançou com Marco, o macaco do espaço, mas muito mais autoral. Cobiaco cita explicitamente um estudo quase obsessivo da Caniff (Terry e os Piratas) e Pratt (Corto Maltese) para compor a trajetória de uma pirata amaldiçoada, irremediavelmente obstinada, que atravessa o Sul do Brasil em busca de um tesouro que não revela ser exatamente o que seus marinheiros pensam. 

Diferentemente da verborragia quase institucional de Caniff (ainda que fosse um mestre na sutileza da empaginação) ou do aspecto zen beatnick de Pratt, Cobiaco imprime muita virulência e força gráfica em sua narrativa. Seu estilo aqui, ainda que magistral na ilustração dos cenários fantásticos e da vegetação selvagem que os piratas atravessam, é rasgadamente abstrato e propositadamente confuso quando se trata de mostrar os personagens. Por que isso? A impressão que fica é a de que Cobiaco tem consciência sobre um aspecto psicológico de sua HQ, um aspecto denso como a vegetação que vira obstáculo para os seus personagens: a revoada de nanquim e o chapadíssimo preto-e-branco, que deixam cenário, homens e mulheres se confundirem, produz, na recepção estética do leitor, o desconforto que sentem aqueles piratas diante do caos de uma terra nova e primitiva. Aqui, o clássico (histórias de piratas!) adquire senso moderno (diria modernista) com uma profunda mistura da experiência visual da HQ (radicalmente desfigurada) com a experiência existencial dos personagens (literalmente desfigurados).

Vale lembrar a inteligência de Cobiaco no diálogo com o material clássico – não apenas Caniff e Pratt, mas também Charlier em Barba Ruiva, Bourgeon em Os Passageiros do Vento, Mozart Couto, Jayme Cortez, etc. –, que, francamente, pouco aparece nos novos autores de HQ brasileira, mais influenciados por outras mídias e por outras HQs contemporâneas. Mesmo com esse visu retro-modernista, Mayo é uma interessante história de aventura, exemplarmente bem pesquisada, com personagens carismáticos na medida certa, paradoxalmente modesta em sua proposta de fabulação. Alguns podem achar os desenhos irregulares ou abstratos demais; outros, a história um pouco juvenil e simplória. A mim agrada a mistura de Brasil com Conan; de Van Gogh com Alex Raymond.

ENTREVISTA

No perfil da editora no Facebook encontra-se a seguinte frase: “Indo onde nenhuma outra editora jamais esteve”. Apenas uma frase de impacto ou vocês realmente acreditam que a Mino tem um diferencial em relação às colegas de mercado editorial? E que diferencial seria esse?

Lauro: É claro que é um trocadilho meio esdrúxulo com o lance da vaca abduzida e uma piada infame com Star Trek, mas talvez tenha um pouco de verdade nisso. Pelo menos, na nossa intenção. É só olhar nosso catálogo. No primeiro ano, lançamos 11 títulos. 10 deles, 100% nacionais. E com um uma qualidade gráfica que raramente vemos, principalmente em autores nacionais: a maneira de trabalhar os títulos e, principalmente, os autores, a maneira de se posicionar, tentamos fazer diferente. Até na obsessão com o nosso catálogo. Se estamos conseguindo é outra história, mas existe uma intenção, sim, em ir além.

Sanchez

Pelos lançamentos da Mino até o momento é possível perceber uma certa ousadia editorial, já que nem todos os títulos da editora tem cara de best seller. Como vocês, internamente, encaram essas tomadas de decisão?

Janaína: Pra nós isso é muito tranquilo. O potencial de venda não é o primeiro motivo para lançarmos um título. Na verdade, nem o segundo. Não que vender não seja importante. Temos a preocupação de fazer vender os livros que lançamos, e não de lançar livros que vendam. Sem contar que às vezes somos surpreendidos. Livros que todo mundo acha que vai estourar de vender, às vezes não vão tão bem quanto se espera. E às vezes títulos que ninguém imagina, vende pra caramba. Quando eu falo que vendemos mais Diego Sanchez que Mike Deodato, as pessoas acham que estamos brincando. Mas é verdade.  Não que o Deo não venda. Ele vende bem. É que ninguém imagina que o Sanchez venda tanto. Mas na Mino ainda não tivemos nenhuma bola realmente fora. Todos os títulos foram no mínimo como esperávamos. As surpresas foram só boas, mas sabemos que vamos ter um fracasso retumbante a qualquer momento e estamos preparados. Faz parte. Por isso que lançamos coisas que realmente gostamos e trabalhamos para fazer os títulos serem um sucesso.

Harmatã, de Pedro Cobiaco

Lauro: Olha só, não sei se tem essa de não ter cara de best seller. O mercado editorial de quadrinhos no Brasil é tão, mas tão pequeno, que muita coisa não é nem ventilada. Tem um monte de certezas que ninguém sabe de onde as pessoas tiram. “Quadrinho nacional não pode ter um bom acabamento, tem que ser barato”, “tal autor não vende”. Porra, como é que sabe se determinado autor não vende se ninguém nunca o lançou de maneira decente? Quando resolvemos fazer relançamento de material independente, falaram que era furada. Surpresa: em um ano tivemos que reimprimir todos os relançamentos. O Harmatã, do Pedro Cobiaco, tá indo para a terceira reimpressão. Isso é demanda reprimida, isso é encontrar as brechas e trabalhar duro. Nego reclamava para cacete, “gibi nacional de ‘desconhecidos’ em capa dura”? BOA SORTE!” Estamos aí mostrando que muitas vezes no nosso mercado falta é um pouco de coragem.

Temos percebido que a autoindulgência e o corporativismo são características que estão se tornando frequentes entre muitos autores independentes (especialmente entre os novatos). Vocês concordam com essa percepção? 

Lauro: De fato é uma questão, mas não sei se existe uma resposta simples para essa autoindulgência, existe um grande número de fatores que acho acabaram desaguando nisso. Um seria uma sensível falta de uma crítica especializada, gente que se debruce sobre esses trabalhos e sirva como baliza para uma garotada. No vácuo da falta de uma crítica mais seria e responsável, proliferam blogs e afins bastante corporativistas que acabam criando grandes bolhas de nada. Acaba que um leitor curioso que queira começar a ler quadrinhos pode ficar perdido porque, segundo a crítica especializada, na sua grande maioria, todo quadrinho é bom. Aí fica difícil! Pode afastar um monte de gente que, estando sem norte, acabe comprando um monte de coisas bem duvidosas.

Janaina: Mas vamos parar pra pensar: não existe crítica no Brasil, né? Tirando uma coisinha ou outra, simplesmente não existe. Começa pelo fato de que a grande maioria das pessoas que fazem “crítica” de quadrinhos trabalham de alguma forma para a “indústria de quadrinhos”. Aí não dá. Que isenção uma pessoa que trabalhe na Panini, tem pra falar da Panini? E não só isenção, como ele vai meter o cacete? Não dá. Com quadrinho nacional, pior ainda. Sem contar que tem um povo que tem uma ideia maluca de que apontar problemas em determinado título é jogar contra quadrinho nacional. Isso é loucura. Existe textos que são maldosos e desnecessários, eu entendo que não valha a pena ficar apontando o quão ruim é um quadrinho de determinado moleque iniciante. Porém, não se pode falar nem de caras consagrados e coleções de sucesso com grandes editoras por trás. Acho ridículo.

Todo editor começou como leitor. Qual a formação de vocês enquanto leitores de quadrinhos?

 O que gostavam de ler na infância e adolescência? Quem eram seus autores e títulos favoritos? Esses gostos permanecem hoje em dia? O que têm lido e gostado ultimamente?

Lauro: Na verdade, fui alfabetizado pelo meu avô com quadrinhos do Fantasma e do Tarzan. Desde então, li basicamente tudo que eu conseguia pôr a mão. Na infância, o que virava a minha cabeça era Conan. Cara, eu amava o Conan do Gil Kane, Fantasma do Team Fantomen (que eram os responsáveis pelas criações de histórias para os títulos escandinavos do Fantasma), principalmente da dupla Norman Worker e César Spadari. E, talvez, a minha grande paixão dessa fase, os títulos de terror da D-Arte: Shimamoto e Colin até hoje estão entre meus quadrinistas prediletos de todos os tempos. Depois disso acho que tenho que citar a Animal. Nem tenho como calcular o impacto da revista na minha formação. Em uma época sem internet, aquilo tudo era simplesmente GIGANTESCO! Poder encontrar todos aqueles trabalhos em uma banca sebosa no ABC paulista... Continuo lendo tudo que eu consigo colocar a mão. O que tenho curtido muito atualmente: coisas do Box Brown, acho que ele caminha rapidamente para virar um gigante. Os dois últimos gibis lidos foram o Sacred heart, da Liz Suburbia, uma história bem honesta sobre toda a estranheza adolescente e esse pequeno holocausto que todo mundo passa. Li a edição impressa da Fantagraphics, mas dá para ler integral no site dela. O outro foi o Black is the color, da Julia Gfrörer, esse li online mesmo, uma sufocante história de marinheiro. Tô de cara com ela, louco para ler outros quadrinhos dela!

Janaína: Eu fui uma leitora voraz desde a infância. Mas como eu tinha uma biblioteca enorme na minha casa, acabava lendo o que tinha lá. E eu lia de tudo, quadrinhos ou literatura. Na infância, lia muita Luluzinha, Recruta Zero e sou completamente apaixonada por Carl Barks até hoje. Lia um monte de coisas diferentes, tinha muita coisa de contracultura, coisas clássicas. Tinha uns quadrinhos alternativos mexicanos, de Corto Maltese a Little Nemo. Passando por terror brasileiro, como Cripta e umas revistinhas de sacanagem. Isso antes dos meus 11, 12 anos. Fui crescendo e lendo Animal, Laerte, Glauco, Angeli. Os primeiros quadrinhos de super-herói que li foram aqueles clássicos que a Globo lançou uma época. O primeiro arco do Sandman, Elektra, Cavaleiro das Trevas, Piada mortal. Fui meio diferente, só conheci esses quadrinhos depois de velha. Deve ser por isso que minha relação com quadrinho de herói seja diferente. O que eu lia na infância era Crumb.

Quais editoras, brasileiras e estrangeiras, vocês admiram e por que?

Lauro: Brasileira tem a Veneta que é de primeira. Rogério é foda. Ele é o cara que queremos alcançar. A cenoura na frente do cavalo. Ainda bem que ele é velho e deve morrer logo (hehe).

Goela Negra

Janaína: A Bolha tem um cuidado tão grande e uns títulos fantásticos. Traduções incríveis e um acabamento gráfico que dá vontade de comer os livros. A Balão faz um trabalho muito bom também. Nem falo do acabamento, são livros mais simples. Porém o Kroll é extremamente competente e as edições saem redondas. Pena que esse ano eles quase não estão lançando nada. Lá fora, Coconino, Retrofit, Fantagraphics, são tantas...

Qual o caminho para se tornar editor de quadrinho no Brasil? Mais do que gostar de quadrinhos, é necessário saber gerenciar um negócio – qual foi a escola de vocês nesse sentido? E o que vocês diriam para quem quer se tornar editora de quadrinhos no Brasil, que dicas dariam?

Janaína: Acho que isso faz uma puta diferença. Eu já tive duas empresas antes, uma por bastante tempo e outra que eu vendi há pouquíssimo tempo. Então essa parte do planejamento, a parte do negócio mesmo, pra gente é bem mais fácil. Acho que esse é um dos problemas que muita editora de quadrinhos enfrenta. As pessoas são apaixonadas por quadrinhos, mas não entendem nada de negócios. Tem que ter planejamento, controle contábil e todo feijão com arroz que todas as outras empresas têm que ter se quiserem ser saudáveis. Não tínhamos experiência direta como editora, porém, eu sou roteirista de formação e Lauro é designer. Então sabemos o que estamos fazendo. O beabá mais braçal do dia a dia de uma editora aprendemos rápido. Nos preparamos para isso e temos amigos que são incríveis.

Quiral

A Mino paga as contas de vocês? Ou é necessário manter uma outra profissão para se sustentar?

Janaína: A Mino já é lucrativa, sim. Acabamos revestindo grande parte desse dinheiro na própria Mino. Acho que dá pra viver de quadrinho, sim. Temos, pessoalmente, uma estrutura bem pesada. Dois filhos em colégios, casa, carros. Não é fácil, mas dá. Como Lauro tem um ótimo emprego, ele se divide entre os dois lugares. Eu até o meio do ano passado tinha outra empresa, mas vendi e agora dedico todo meu tempo à Mino. Pra gente, por enquanto, está sendo uma boa equação.

Qual o palpite de vocês sobre o futuro da produção de quadrinhos no Brasil? (* a pergunta permite devaneios, fiquem à vontade)

Janaína: Às vezes, fico super empolgada. Acho que tudo vai dar certo. Que os quadrinhos estão bombando. Às vezes, fico meio desanimada. Acho que ficou muito mais fácil fazer quadrinhos e tem muita gente boa fazendo. Tem uma galera nova que tá surgindo que dá orgulho de ver. Porém, temos um longo chão pela frente. Só que mais quadrinhos não significa necessariamente quadrinhos melhores. Acho que a saída é o profissionalismo. É ficarmos cada vez mais sérios. Fazer melhor, estudar mais, nos aprofundarmos mais. O mercado precisa ficar mais profissional em todos os sentidos. Vivemos outro momento. O modelo que tínhamos, e que deu super certo no passado com os quadrinhos de larga escala, com poucas exceções, não é mais viável. Temos que criar um novo modelo. E acho que tá indo. Aos trancos e barrancos, mas tá. Quadrinho alternativo tá meio na moda. Só desanima um pouco às vezes a frivolidade e pouca seriedade que muitos autores dão para suas obras. É quase só hype. Só que aí vemos um Felipe Nunes, um Cobiaquinho, uma Bianca, Mazô, Portugal, a Julia, que é incrível, tantos outros que mal saíram das fraldas e estão tão a fim de mergulhar de cabeça e pensar essa parada seriamente que aí meu coração se enche de esperança.  Acho que o futuro vai ser massa!

Brasília no Social Comics!

por João Rodrigues

Artista plástica formada pela faculdade Dulcina de Moraes com pós-graduação em Design Gráfico e Editorial pelo IESB, Verônica Saiki é uma artista multitarefa que gosta de explorar as várias linguagens da suas áreas artísticas. “Eu adoro fazer ‘n’ projetos, como ilustrações de livros infantis, trabalhar com esculturas, etc”. Além desses trabalhos, que faz por conta própria e para clientes, Verônica também atua na área dos quadrinhos. Nascida e naturalizada em Brasília, ela é autora da série Verdugo - O Inacreditável. Criado em 2002, o personagem foi publicado em fanzines de 2007 a 2009, e em duas edições de 24 páginas pela editora Júpiter2 em 2014.  Agora, Verônica fez uma grande conquista: Sua nova obra, Verdugo - O Inacreditável: Procurados, não só está disponível fisicamente como também digitalmente na plataforma Social Comics, aplicativo considerado o “Netflix dos quadrinhos”. Assim como a plataforma de vídeos, os assinantes têm acesso a um número determinado de HQs para lerem quando quiserem.

Procurados também será lançado em papel. O lançamento acontecerá no dia 23 de abril, às 16h, na livraria Dom Quixote no Centro Cultural Banco do Brasil. Verônica recebeu a reportagem da Raio Laser enquanto começava os preparativos com antecedência. "Social Comics para mim foi uma porta gigantesca que surgiu. Logo que eu fiquei sabendo da disponibilidade da plataforma, fiquei curiosa para enviar o meu material e ver como é que seria a repercussão", exalta a autora. A artista estava para lançar a HQ e teve a ideia de oferecer a opção de que seus leitores pudessem ler o gibi digitalmente.  Desta forma, ela enviou o material do Verdugo para o aplicativo e, para sua surpresa, a resposta saiu rápido. "Como autora, posso dizer que já comecei com o pé direito", comemora. Verônica também falou um pouco sobre sua relação com os quadrinhos. Ela explica que foi influenciada a desenhar pelos gibis que lia na infância. "Muitas pessoas falam que aprenderam a ler com os quadrinhos. No meu caso, eles me ajudaram a desenhar".  Seus títulos favoritos eram Turma da Mônica, Tio Patinhas, Pato Donald, os gibis dos seriados Chaves e Chapolin (publicados no Brasil pela editora Globo entre 1991 e 1993), e também tirinhas de jornais. Níquel Náusea, de Fernando Gonsales é sua favorita, pois ela sempre gostou dos que puxavam para uma linha de humor ou que passassem uma mensagem bonita.

As inspirações da artista aparecem ao observar a atitude das pessoas nos lugares aonde vai, além da natureza e dos animais. Ela também sempre carrega consigo Zen em Quadrinhos (lançada pela Ediouro em 1996). "Eu acho muito interessante. Fala de comportamento humano e eu acho isso muito legal. Também me inspiro em livros voltados para temas naturais”.  Seu traço é voltado para o cartoon, sendo bem simplista e utilizando apenas o preto e o branco na maioria das páginas. Verônica também estudou por conta própria sumi-ê (também chamada de suiboku-ga, ou pintura à tinta, arte japonesa que tem sua origem e influência na caligrafia chinesa).  A artista possui uma loja virtual onde vende seus diversos trabalhos no mundo das artes plásticas. São quadrinhos e produtos baseados no Verdugo, caricaturas e/ou cartoons personalizados para noivos, etc. Questionada sobre futuros projetos para o mundo dos quadrinhos, Verônica demonstrou empolgação: “A plataforma Social Comics abriu um leque. Pretendo fazer outros quadrinhos, estou com umas ideias, uns projetos”.

Primeiros encontros entre Batman e Superman

Em fevereiro realizamos mais uma edição do nosso curso História dos Quadrinhos - Trajetória de uma Arte Sequencial e nos deparamos com uma turma muito interessada, conhecedora dos quadrinhos e disposta a ampliar e dialogar sobre este conhecimento. Dentre nossos melhores alunos estava o jornalista João Rodrigues, com experiência em jornais, blogs e podcasts, cujo objetivo atual é se especializar em cultura pop. Pedimos para ele escrever algo para a gente e ele trouxe este texto sobre a história dos encontros (e confrontos) entre Batman e Superman nos quadrinhos, aproveitando o gancho do novo filme de Zack Snyder. Como o filme saiu esta semana, achamos que era bom apresentar a vocês não apenas o texto, mas também este novo colaborador. Aproveitamos o espaço para, na caixa de comentários, debatermos também a respeito da qualidade do filme, que tem dividido opiniões. De um lado, a crítica "chauvinista" que achou seu roteiro irregular, cheio de furos e com precária caracterização dos personagens. De outro, os fãs dos personagens, que ficaram exultantes com o caráter sombrio, e boa direção de arte e os desdobramentos realistas do filme. E você, o que achou? Valeu João! (CIM)

por João Rodrigues

Batman vs Superman - A Origem da Justiça está chegando. O filme de Zack Snyder continua as histórias do Homem de Aço interpretado por Henry Cavill e trará o primeiro encontro dele com Ben Affleck no papel de Batman.  Pelos trailers e sinopses apresentados, já é fato que Bruce Wayne vai caçar Superman por causa da destruição causada na luta entre o herói e o general Zod. Para quem acompanha quadrinhos, o que foi divulgado até o momento não é nenhuma surpresa: os dois irão se enfrentar e logo virarão parceiros.  Porém, alguém sabe como se deu o primeiro encontro entre os dois nos quadrinhos? Bem, antes de fazer essa pergunta é preciso especificar de qual história (em que os dois estrelam pela primeira vez juntos) estamos falando. Sim. Heróis de gibis americanos têm sua origem recontada diversas vezes para não ficarem desatualizados com o passar do tempo.  Assim, personagens octogenários como Batman e Superman já se encontraram pela "primeira vez" muitas vezes.  Vamos conhecer alguns dos primeiros encontros entre os dois:

O primeiro dos primeiros:

O primeiro encontro: absurdo e na surdina

No período pós Segunda Guerra Mundial, os quadrinhos de super-heróis ficaram impopulares devido à onda de pessimismo devastadora deixada na sociedade norte-americana pelo conflito. Poucos heróis não foram cancelados. Superman e Batman foram dois deles (lembrando que a Marvel Comics ainda era chamada de Timely Comics e seus heróis populares - Homem-Aranha, X-men, Quarteto Fantástico - ainda não tinham sido criados).  Em Superman 76, publicado em 1952, Clark Kent e Bruce Wayne estão viajando de férias no mesmo cruzeiro. Como o navio estava lotado, os dois foram hospedados na mesma cabine. Do lado de fora, Lois Lane se mete em perigo para variar. Os dois heróis precisam se vestir para ajudar. Para não ser descoberto, Bruce diz que vai dormir e apaga a luz. Ele queria virar o Batman para ver o que estava acontecendo. Clark aceita, já que também pretendia aproveitar a escuridão pela mesma razão.

Porém, a luz de um farol ilumina o quarto deles e ambos vêem um ao outro assumindo suas identidades secretas. Sem nada podendo ser feito, os heróis se unem e resolvem a situação e prendem os responsáveis por uma tentativa de assalto. Depois, Clark e Bruce trabalham em conjunto para convencer Lois Lane de que eles não são Superman e Batman. A história possui toda a simplicidade e inocência costumeiras da Era de Ouro. Foi escrita por Edmond Hamilton e desenhada por Curt Swan. 

Na verdade, ambos já dividiam a mesma revista, World's Finest Comics, mas em histórias separadas. Após Superman 76, eles se encontrariam diversas vezes. Na Era de Prata, eram muito amigos.

O primeiro após Crise nas Infinitas Terras:

Em 1985, a DC Comics lançou a minissérie em 12 edições Crise nas Infinitas Terras. A saga foi criada para acabar com a cronologia confusa de décadas  e com a ideia das terras paralelas do Universo DC. Ao término dela, só uma terra existia e a origem de todos os heróis foi atualizada e recontada. A de Batman aconteceu no famoso arco de histórias Batman - Ano Um, escrita por Frank Miller, nas edições 404 a 407 de seu título mensal nos Estados Unidos. Já o Superman foi totalmente revitalizado pelas mãos de John Byrne na minissérie The Man of Steel, com desenhos de Dick Giordano. Com personalidades bem diferentes das da Era de Ouro, a nova versão do primeiro encontro dos dois, que aconteceu na terceira edição do arco, não foi amistosa como a anterior.  

Batman está em Gotham City caçando uma vilã quando sua corda é puxada por Superman, que queria prendê-lo por suas atividades ilegais de vigilante. Sabendo que esse encontro podia acontecer um dia, o Homem-Morcego diz que se o kryptoniano tocar nele, uma explosão acontecerá em algum ponto de Gotham matando um inocente.

Sem escolhas, o alter-ego de Clark Kent ajuda o morcego em sua caçada. Após a vilã ser presa, Superman descobre que Batman mentiu parcialmente e que a única vida em risco era a dele mesmo. Assim, mesmo contrariado, o Homem de Aço adquire um pouco de respeito e o deixa em paz. Bruce o vê partindo e lamenta que não possa chamá-lo de amigo. 

A história enfatiza a diferença entre um e outro. Um representava a luz e a esperança. Outro, a frieza e o pessimismo adquirido pelo assassinato dos pais. Obviamente, mais tarde ambos viraram amigos e atuaram juntos diversas vezes e também na Liga da Justiça.

A trama se passa no período conhecido como Era de Bronze dos quadrinhos norte-americanos. Nessa época, o comics code authority (Código de Ética dos quadrinhos americanos) estava em declínio. A inocência criada na Era de Prata deu lugar a tramas com elementos mais pesados como drogas, guerras e questões sociais que eram debatidas na época. Mesmo os que não traziam esses temas acabavam mostrando personagens com mais toques de realismo em seus comportamentos. 

Assim, Byrne e Miller deram comportamentos totalmente diferentes e bem definidos aos dois heróis no período Pós-Crise. Eles se respeitavam mutuamente, mas um desaprovava os métodos do outro. Suas aventuras conjuntas retornaram com Superman/Batman, publicada entre 2003 e 2011. Jeph Loeb escreveu os 25 primeiros números, mas saiu depois. A série terminou na edição 87. O primeiro arco da revista - Inimigos Públicos - virou animação em 2009.

Novos 52 e novo primeiro encontro:

Quase trinta anos depois de Crise nas Infinitas Terras, a DC novamente resolveu reiniciar sua cronologia e começar do zero. Assim sendo, os heróis tiveram suas origens novamente contadas. Esse é o mundo dos Novos 52. 

Esse primeiro encontro dos dois heróis não ocorreu somente entre eles, mas com todos os membros que formariam a Liga da Justiça. Na trama escrita por Geoff Johns e desenhada por Jim Lee, Batman conhece o Lanterna Verde e ambos estão sendo caçados por policiais que consideravam os vigilantes perigosos na época. No final da primeira edição, Superman aparece. 

Pensando que o Cavaleiro das Trevas e o Gladiador Esmeralda eram os responsáveis por um ataque que sofreu mais cedo, Superman avança contra ambos. Logo, o Flash aparece tentando acalmar a situação e evitar danos, mas acaba piorando as coisas. Sempre frio e calmo, Batman consegue ser ouvido por todos e explica que não teve nada a ver com o ataque. Como a polícia aparece novamente, os quatro fogem. 

Não irei me prolongar muito na história, pois ela não é o ponto deste texto. Os demais membros - Cyborg, Mulher-Maravilha e Aquaman, aparecem depois e todos detêm uma tentativa de invasão à terra liderada por Darkseid. Após o confronto, a Liga da Justiça é formada. O arco foi publicado entre a primeira e a sexta edições da segunda série da revista Liga da Justiça pela Panini Comics, e também no encadernado, lançado recentemente, Liga da Justiça - Origem. Uma versão animada da história (Justice League - War) também foi lançada. Até o momento, essa é a atual origem da parceria entre os dois.  Não há um consenso sobre o nome da era que estamos vivendo e nem uma caracterização dela. Hoje, temos diversos tipos de histórias dentro do mesmo universo. Boas, ruins, infantis, juvenis, adultas...

No caso d'Os Novos 52, a DC está sendo criticada por tirarem elementos importantes da personalização dos heróis. O Superman não fez sucesso. A nova versão não traz sua personalidade e imponência combinados à  humildade, como estamos acostumados. É um herói que não tem como inspirar os demais. Alguns super-heróis de quadrinhos estão sofrendo com o sucesso do cinema. Claro que é bom que os filmes estejam aí! Mas não podemos misturar as coisas. As HQs precisam manter suas identidades e não misturarem as coisas. Senão, os heróis podem não alçar os voos gloriosos de outrora.

Elas nos quadrinhos: 11 mulheres notáveis

O envolvimento de mulheres no universo das histórias em quadrinhos cresceu consideravelmente nos últimos anos. Com isso, aumentou também o interesse delas por maior representatividade nesse meio, seja no conteúdo apresentado nas HQs ou na identificação com mais artistas do sexo feminino. De Marjorie Henderson Buell, a Marge, criadora da personagem Luluzinha, até Marjane Satrapi, roteirista e ilustradora de Persépolis, não é difícil elencar talentosas mulheres envolvidas com quadrinhos.

Quem curte Marvel e DC Comics deve estar familiarizado com os nomes das roteiristas Barbara Kesel, Gail Simone, Jo Duffy e Louise Simonson; das desenhistas Jan Duursema, Amanda Conner, Colleen Doran e Jill Thompson, da arte-finalista Rachel Dodson ou da colorista Laura Allred. Editora, Karen Berger está diretamente ligada à criação do selo Vertigo, da DC, e foi responsável por títulos como Sandman e o Monstro do Pântano de Alan Moore.

Os colecionadores de cards de super-heróis, uma mania nos anos 1990, devem se lembrar de Julie Bell, pintora que ilustrou dezenas desses cartões, sempre em ambientes fantásticos e um tanto kitsch (selvas ou espaço), com personagens musculosos (ela foi fisiculturista!) bem ao estilo da revista Heavy Metal. E por falar na publicação, como não mencionar Olivia De Berardinis e suas maravilhosas pinups? Ou a arte erótica de Giovanna Casotto? O leitor brasileiro de mangá talvez não saiba, mas muitos dos quadrinhos japoneses publicados por aqui foram criados por mulheres, caso de Peach Girl, de Miwa Ueda, Fullmetal Alchemist, de Hiromu Arakawa, e o popularíssimo Ranma ½, de Rumiko Takahashi. Mulheres deixaram suas marcas nos gibis da Turma da Mônica, desde a pioneira Emy Acosta, até hoje na empresa e uma das responsáveis pela chamada “fase fofinha” do final dos anos 1970, até, em tempos mais recentes, a roteirista Petra Leão, escrevendo para a Turma da Mônica Jovem, e a desenhista Lu Cafagi, nas graphics Laços e Lições. A finlandesa Tove Jansson é criadora da séria Mumin, capaz de encantar crianças e adultos. A obra saiu no Brasil primeiramente pela Conrad e depois pela A Bolha, ousada editora tocada por Rachel Gontijo.  E se você leu Fun home ou Você é minha mãe?, ambos de Alison Bechdel, sabe que essas graphic novels estão entre as melhores da atualidade.

Essas mulheres são apenas algumas entre muitas produzindo histórias em quadrinhos no Brasil e no mundo. Entre as brasileiras, poderiam ser citadas tantas outras que atualmente publicam suas HQs de maneira independente ou trabalham para as grandes editoras de comics. 

Aproveitando o Dia Internacional da Mulher, a Raio Laser fez uma lista com onze mulheres cujos trabalhos merecem a sua atenção. São profissionais que se destacam pela criatividade, inovação e personalidade. Curiosamente, não vemos com frequência os nomes delas em outras listas de grandes mulheres dos quadrinhos. Fica aqui a nossa reverência e respeito. (PB)

por Lima Neto, Pedro Brandt e Ciro I. Marcondes

Marie Severin - Muitos são os nomes laureados pela história quando falamos sobre histórias em quadrinhos norte-americanas, mas um dos nomes femininos que vem certamente à cabeça é o da colorista, desenhista, letrista e designer Marie Severin. Nascida em 1929, Marie entrou para os quadrinhos colorindo a edição A Moon, A Girl... Romance # 9, de Outubro de 1949, com a arte de seu irmão, John Severin. A partir daí, Marie se tornou a primeira dama da EC Comics, colorindo a maioria de suas revistas, um trabalho marcado pelo contraste entre sensibilidade e impacto que deixou sua marca nos quadrinhos de guerra escritos e desenhados por Harvey Kurtzman. Quando a editora deu início à sua famosa e controversa linha de quadrinhos de terror, Severin - católica praticante - tinha o cuidado de dar um tratamento cromático às cenas mais visualmente ofensivas com azuis fechados que tornava mais difícil, para os pais, perceber o teor dos quadrinhos que compravam para os filhos. Convidado pelo próprio editor chefe, Stan Lee, Marie Severin brilhou na era de prata da Marvel Comics, sendo a principal colorista da editora. A partir dos anos 70, Severin começou a revezar o trabalho de colorista com o de desenhista, colocando seu traço a favor de personagens como Doutor Estranho (substituindo Bill Everett, que havia entrado no lugar de Steve Ditko), Hulk, Homem de Ferro, Conan e Kull, o Conquistador. Marie foi ainda o nome forte da Star Comics, selo de quadrinhos licenciados da editora, onde trabalhou em títulos como Muppet Babies e Alf. Marie Severin era uma trabalhadora braçal dos quadrinhos de super-heróis e se aposentou com a chegada do século XXI realizando alguns trabalhos como a recolorização de clássicos da EC Comics para coletâneas especiais. Marie Severin carregou a indústria nas costas, foi a grande mulher da EC comics e deve estar presente em toda lista de grandes artistas da HQ norte-americana. (LN)

Wendy Pini- Formada, de certa forma, no caldeirão contracultural dos quadrinhos alternativos dos anos 60 em San Francisco, Wendy Fletcher (depois Pini) acabou se tornando vetor de várias transformações nos quadrinhos americanos a partir do fim dos anos 70, quando lança, junto com seu marido Richard, a lendária, soberba e cultuadíssima série Elf Quest de forma inteiramente independente, seguindo o modelo dos comix underground. Os Pini fundaram a própria editora (WaRP) para lançar toda a saga original desta série fundamental para se compreender a aproximação dos quadrinhos indie com o mainstream. Espirituosa (ela fazia cosplay da Red Sonja em convenções de quadrinhos), engajada e multitalentosa, Pini concebeu junto a Richard um universo fechado, complexo e repleto de inacreditáveis detalhamentos que já previa um final definitivo no início da saga (algo inédito na época). Além de conceber o imaginário de Elf Quest, ela trabalhava os roteiros junto ao marido e, é claro, ilustrou toda a série clássica com um apaixonante estilo límpido, todo afeito ao quadrinho mainstream, mas com profunda matriz autoral e domínio narrativo. Seus elfos são esguios, de beleza quase sobrenatural, e seu traço é vivaz como poucos quadrinhos de aventura conseguiram ser.

Em qualquer circunstância do ofício da ilustração para HQs, Pini é uma mestra absoluta: cenas de ação, expressões faciais, ricos cenários e criaturas, empaginação, etc. Além de, é claro, ter levado adiante o que, para mim, é um dos grandes projetos de longo fôlego na história dos quadrinhos: Elf Quest narra, em uma longa saga cheia de desdobramentos fascinantes, a trajetória de tribos de elfos invasores em um mundo neolítico similar à Terra, mas povoado por diversas criaturas fantásticas, poderes místicos e conflitos atávicos. Este quadrinho não apenas é uma entusiasmante obra de aventura, mas também de sofisticados conflitos familiares, romances tórridos e histórias lendárias de uma cultura pensada no seio da era hippie, na esteira de Shakespeare e Tolkien, com a diferença que, aqui, a personagem feminina tem papel preponderante. Seu protagonismo não é subjugado, sua influência no destino dos elfos não é marginal. Nada menos que revolucionário. (CIM)

Ann Nocenti - Imagine ser contratado para dar continuidade a uma série de peso como Demolidor. Imagine agora que você não apenas vai dar continuidade, mas vai começar a escrever logo após o clássico Queda de Murdock. Se essa responsabilidade já parece massacrante, imagine para uma editora cujos trabalhos até o momento se resumiam a duas minisséries no universo dos X-Men. A escritora Ann Nocenti entra nesta lista justamente porque soube lidar com esse desafio como ninguém e marcou seu nome nas revistas de herói da Marvel. Seus roteiros davam continuidade a uma tendência inaugurada com a série Lanterna Verde e Arqueiro Verde (de Danny O´Neil e Neil Adams): a de levar questionamentos sobre os problemas sociais de nossa época para as páginas dos gibis de SH. Sob a pena de Nocenti, entretanto, estes questionamentos sempre apresentavam uma área cinzenta onde as respostas estavam longe de serem fáceis e as intenções dos personagens sempre guardavam um viés secreto e pessoal. Feminismo, maltrato de animais, conflitos éticos e muito mais se tornam obstáculos a serem vencidos por seus heróis que, em sua maioria, eram telas brancas sem julgamento prévio destas discussões, colocando-os lado a lado com os leitores do período. Nocenti criou personagens memoráveis como Mary Tiphoid, Longshot, Black Heart (filho do vilão demoníaco Mefisto, que em sua fase vai apresentar um visual mais bestial que o tradicional criado por John Buscema), Mojo e Espiral. Nocenti trabalhou com a maioria dos personagens da Marvel e recentemente escreve para a concorrente em títulos como Mulher-Gato e a fase recente da Katana novos 52, série bem recebida pela crítica. (LN)

Sophie Campbell - Criada como uma cópia da Mulher Maravilha pelo famigerado Rob Liefeld, a personagem Glory foi relida brevemente pelo roteirista Alan Moore e, em 2011, por Joe Keatinge, que a reinventou mais uma vez. Esta versão mais recente da heroína foi ilustrada por Sophie Campbell, que imaginou a personagem como uma mulher grandalhona com rosto de bebê e cicatrizes de batalha pelo corpo. Por falar em rostos e corpos, Campbell é conhecida por ilustrar a figura feminina em diversas silhuetas e feições de diferentes etnias, dando à série uma diversidade de tipos rara nos quadrinhos americanos. Essa abordagem caiu como uma luva na série que ela assumiu em 2015, Jem and the Holograms (inspirada no desenho animado de mesmo nome, original de 1985 e exibido no Brasil pelo SBT entre 1988-1993). Em clima de série teen, a HQ, que tem roteiros de Kelly Thompson, mostra a rotina de uma banda de rock formada por quatro garotas em busca do sucesso, em meio a intrigas, romances mal resolvidos, inseguranças e descobertas. Sob uma paleta de cores berrantes, Sophie Campbell veste as garotas com penteados e figurinos extravagantes, tudo muito exagerado, o que dá toda a graça e impõe o tom divertido e leve da série. A desenhista também é autora de uma série própria, Wet Moon, na qual apresenta as desventuras emocionais de um grupo de universitários prestes a encarar o mundo adulto, ao mesmo tempo em que aborda com naturalidade questões de sexualidade e dramas existenciais. Ah, até 2015, Sophie era Ross, quando assumiu publicamente ser trangênero. (PB)

Angela e Luciana Giussani - Todas as estrelas desta lista brilham com luz própria. São artistas que trabalharam duro para ter seus nomes marcados na história das HQ's. Mas dentre todos estes nomes, apenas as irmãs Angela e Luciana Giussani detêm no currículo a proeza de terem criado um gênero dentro das HQ's: o fumetti neri, ou “gibi negro” em uma tradução livre. Ex -modelo, casada com um editor de revistas da época, Angela Giussani era um espírito livre e empreendedor. Em 1962 ela lança a revista Diabolik, um fumetti diferente onde se misturavam erotismo e vilania. O personagem homônimo é um ladrão de joias requintado e misterioso conhecido por sua habilidade de disfarce e seu código de honra. Um anti-herói em meio a uma sociedade mais corrompida do que ele. O fumetti tinha ainda como personagens a loira e moralmente ambígua Eva Kant, companheira de Diabolik, e o inspetor Ginko, sagaz e habilidoso. O policial só não é páreo para o ladrão por ser claramente limitado por sua moral. Diabolik fez um sucesso tremendo, não apenas por seu conteúdo polêmico, mas também por ter um formato curto, de bolso e com roteiros impactantes. Na edição de número 13, a irmã de Angela, Luciana, passa a auxiliar nos roteiros e, a partir daí, elas vão se revezando e trocando com outros roteiristas nesta que é a revista mais duradoura da Itália, já ultrapassando a edição 800. A partir de seu sucesso (que chegou aos cinemas, rádio, romances, TV e foi até homenageado na revista dos X-Men na fase do escritor Grant Morrisson), toda a Itália se rendeu a uma nova linha de narrativas sádico-eróticas com personagens mascarados. Todos com uma bem posicionada letra K, como Kriminal, de Luciano Secchi assinando como Max Bunker, e arte do fabuloso Magnus (Robert Raviola); os dois autores ainda criaram o gibi Satanik, que teve posterior sucesso com a série de fotonovelas. O sucesso deste fumetti neri também criou paródias e versões, como o famoso Paperinik, o “Super Pato”, identidade heroica do Pato Donald. Tudo graças ao pioneirismo destas irmãs milanesas que mostraram ao mundo como o quadrinho pode ser palco dos desejos represados de toda uma nação, como era o caso da Itália católica do período. (LN)

Lilian Mitsunaga - Responda rápido: O que Batman – Cavaleiro das Trevas, Asterios Polyp, Gibis da Disney e a revista Animal têm em comum? Todos estão no portfólio da letrista e lenda do quadrinho brasileiro Lilian Mitsunaga. Não tem como falar de histórias em quadrinhos no Brasil e não lembrar desta profissional que ensinou mais de uma geração de fãs a ler. Esta paulista, natural de Mauá, começou a trabalhar com o letreiramento de quadrinhos em 1980 com uma historinha de quatro páginas do ursinho Puff (Pooh para os marqueteiros). De lá para cá, Lilian se tornou pedra fundamental na adaptação de quadrinhos de fora para o mercado brasileiro. Seu profissionalismo e perfeccionismo foram elementos essenciais para que o artista David Mazzuchelli liberasse a publicação de sua graphic novel, a já citada Asterios Polyp, no Brasil. O trabalho de Lilian era tão respeitado que, nos anos 80/90, a letrista teve que trabalhar com pseudônimos em diferentes editoras para não transgredir o contrato com sua casa editorial – a Editora Abril. Com a chegada dos editores de texto, Lilian se tornou pioneira no domínio desta nova tecnologia, desafiando as vozes que diziam que o trabalho de letrista iria acabar. Muito pelo contrário, ao ler qualquer gibi letreirado por esta mestra, pode-se ver como a tecnologia precisa de pessoas capazes no comando para tornar a leitura um momento de prazer. Além de Asterios, podemos encontrar as letras de Lilian em Jimmy Corrigan (um dos trabalhos mais desafiadores para a letrista), Retalhos, Habibi e Sailor Moon. (LN)

Lynn Varley - Batman: O Cavaleiro das Trevas, 300 de Esparta, Elektra Vive, Big Guy e Rusty, Ronin... não, não estamos falando aqui do laureado Frank Miller, mas sim de sua ex-esposa e parceira de trabalho Lynn Varley. Junto com o ex-companheiro, Varley revolucionou o quadrinho de super-herói e elevou o nível de qualidade das cores dos gibis americanos. Juntando a influência de veteranas como a já citada Marie Severin, somado a influências europeias e orientais de abordagem cromática, Varley fazia das cores um espetáculo expressivo, e mesmo em seu pior momento – a trágica continuação de Cavaleiro das Trevas – a colorista criou um manifesto contra a pretensa naturalidade digital das cores “photoshopadas” que infestavam o mercado de HQ's e fizeram o sucesso da editora Image. Mas enganam-se aqueles que acham que esses foram seus únicos trabalhos. Varley é um dos nomes que colaboraram com o sucesso de American Flagg, de Howard Chaykin, e coloriu o traço das histórias em preto e branco de Moebius publicadas nos Estados Unidos pelo selo Epic Comics, da Marvel. Extremamente reservada, Varley continua trabalhando em edições especias e relançamentos de seu trabalho. Mas sua paleta de cor adicionou uma vibração única em um período revolucionário dos quadrinhos, estampando seu nome para sempre na história deste meio. (LN)

Érica Awano - Descendente de japoneses, Érica Awano aprendeu a desenhar no estilo mangá com as revistas em quadrinhos vindas diretamente do Japão que circulavam entre seus familiares. Ou seja, bebeu da fonte. Isso ajuda a entender como, em 1996, quando publicou pela primeira vez, ela já dominava os recursos gráficos típicos de uma HQ nipônica numa época que elas ainda não tinham invadido as bandas brasileiras. Sua narrativa visual é econômica, mostrando apenas o necessário para a continuidade da ação, e seu estilo de ilustração é elegante e delicado, clean, expressivo sempre que necessário – como tem que ser no mangá –, mas sem os exageros típicos dos quadrinhos japoneses. Em Holy Avenger, série de grande sucesso que desenvolveu com Marcelo Cassaro, é exemplar a maneira como Awano dosa os elementos apresentados ao longo da trama em suas páginas. O roteiro de Cassaro se equilibra entre o humor e a aventura, com um pouco de drama, muita ação e, às vezes, alguma violência, aliados à ambiguidade dos personagens, caso do ladrão Sandro Galtran e da insinuante elfa Niele (praticamente nua em toda a HQ). Ainda que o público-alvo da série (que durou 42 edições e teve vários especiais) fosse o infanto-juvenil, o material era produzido sem soar condescendente ou afrontar a inteligência do jovem leitor – a expectativa de muitos deles era que a série soasse como um autêntico mangá e não uma simulação disso. Entre trabalhos para o mercado brasileiro e o internacional, a mangaká ilustrou uma adaptação de Alice no País das Maravilhas roteirizada por John Reppion e Leah Moore (filha de Alan Moore), e a HQ do game Warcraft. (PB)

Posy Simmonds - Cartunista, ilustradora de livros infantis e autora de histórias em quadrinhos, a britânica Rosemary Elizabeth “Posy” Simmonds é uma veterana conhecida por cartuns e tiras publicados em jornais ingleses. Suas criações são sagazes sátiras à sociedade contemporânea. Esses são os ingredientes da única de suas obras publicadas no Brasil, Gemma Bovery, lançada por aqui em 2006, pela Conrad. Reinvenção em quadrinhos do clássico Madame Bovary, romance de Gustave Flaubert que causou escândalo quando publicado em 1857 por apresentar como protagonista uma mulher adúltera. Na trama da HQ, Gemma é uma inglesa aborrecida que se muda com o marido para uma pequena e aconchegante cidade francesa. Lá, descobre uma sensualidade adormecida e acaba se envolvendo numa relação fora do casamento. À distância, o vizinho de Gemma, secretamente apaixonado por ela, observa tudo. Publicado em formato retangular e vertical, a obra mistura narrativa em prosa, rica em detalhes, e em quadrinhos. A autora constrói um ritmo de leitura intimista, que joga o leitor para dentro das páginas e o transforma no voyeur a acompanhar de perto a protagonista. A HQ foi transformada em filme, uma simpática comédia dramática lançada 2014. Depois de Gemma Bovery, Posy Simmonds publicou Tamara Drewe, que também virou filme (em 2010). (PB)

Cynthia Carvalho: no Brasil, Frank Miller é uma mulher, e tenho dito. Os quadrinhos do Leão Negro, concebidos pela roteirista Cynthia Carvalho, primeiro surgiram como suplemento de quadrinhos de O Globo em 1987 (com ilustrações de Ofeliano). Depois ganharam a Europa, foram interrompidos e, mais recentemente, em 2010, os arcos das histórias originais foram retomados com os desenhos sensuais de Danusko Campos. Fosse este um mundo justo, Cynthia já teria levado um HQMix de “grande mestre” (ou algo que o valha). Ou, sei lá, o próprio prêmio teria o nome dela. Nada na história dos quadrinhos brasileiros se parece com Leão Negro. Em princípio, a aparência banal de quadrinho de aventura medieval engana o leitor que não se aventurar a ler as histórias. Porém, a leitura certamente os transforma. Leão Negro é o único quadrinho brasileiro aparentado com era de bronze dos quadrinhos americanos. É como se o cinismo realista do Demolidor de Miller, o ambiente robusto do Conan de Roy Thomas e a pegada pesada do Arqueiro Verde de Dennis O’Neil se encontrassem em algo que, ainda assim, ultrapassa o alcance destas referências.

Cynthia estabelece sua saga em uma ilha de cultura e tecnologia medievais onde acompanhamos a trajetória de uma família decadente de leões antropomórficos. Este mundo brutal, capaz de deixar até um fã de Game of Thrones com os pelos eriçados, não oferece qualquer signo de misericórdia. Crianças são exterminadas, fêmeas violentadas, famílias despedaçadas em conflitos fratricidas. Como eu disse em meu texto original sobre esta HQ: como gostar destes protagonistas felinos que são nada menos que polígamos, incestuosos, escravistas, lascivos e infanticidas? Cynthia, porém, dota estes personagens com profunda inflexão para a ambiguidade. Nada aqui é panfletário, ingênuo ou binário. Todos os seus anti-heróis são (ao contrário de uma babaquice pueril como o Justiceiro) enraizados em contextos verossímeis psicológicos, familiares e diria até socioculturais. Suas mulheres, mesmo atadas a uma sociedade de total submissão, são incrivelmente astutas, de intensa sagacidade e inteligência, e põe à prova dilemas contemporâneos através de um imaginário medieval fascista. Além de roteirizar estes injustiçados quadrinhos, Cynthia lançou em 2012 um ótimo livro de contos com histórias no mesmo universo. Logicamente, faz parte das melhores coisas já lançadas no gênero por aqui. Orgulho absoluto para a “cultura pop” brasileira. (CIM)